水彩画总结 第1篇
静物画，是指以表现现实生活中静止物象为内容的绘画。凡具有审美价值的、静止的物象都可以作为静物画的描绘对象。对静物的描绘可作为独立的画科进行教学和创作，也可以成为绘画作品的有机组成部分，还可以作为造型基础训练的重要手段。由于静物的造型往往比较单纯，静止不动，置于室内，受光状况常较稳定，可根据画者的需要和能力组合描绘，对培养观察、分析对象的能力和提高绘画技能是条有效途径。因此，中外均采取静物写生形式进行绘画基本功训练。对于初学者，这种形式尤为适宜。
静物写生的训练程序
人们对知识的积累，技能的掌握有其过程和规律，都要经历一个由无知到有知再到博学，由不掌握到初步掌握再到熟练掌握的过程。静物写生训练，也是学习知识，掌握技能的过程，故必须从基础学起，由易到难，由简到繁，循序渐进地不断学习和训练。
水彩静物写生的一般训练程序，按静物组合的复杂程序排列常是：单个静物练习——简单静物组合练习——复杂静物组合练习；按用色难度排列常是：单色练习——限制颜色练习——不限色练习。在水彩静物写生的训练过程中，一般是把以上两种顺序综合安排，穿插进行。另外，根据学者的基础、需要、时间和教学者的习惯，在由浅入深、由易到难、由简到繁的规律指导下也可作多种程序安排。有的以静物难度为序；有的以用色难度为序；有的综合安排但舍去某些程序又增加某些程序。如对于无绘画基础的初学者，就可能在单个练习之前，作涂色块练习；对基础较好的，也可舍去前训练，而有意增加作业难度。自学者可根据自己的基础情况，参照以上程序进行安排。下面分别谈谈单色静物练习和限制颜色的练习。
单色静物练习：是指用单一色相的水彩颜料来画静物。这种形式既是水彩又是素描，说它是水彩，是因为它运用水彩颜料作画；说它是素描，是因为它运用单一颜色来描绘对象。这种方法，多用于初学者从素描练习到水彩练习的过渡。它排除多种色彩表现的复杂任务，运用初学者在素描练习中已熟悉的方法去画水彩，这样就可以把注意力集中在熟悉水彩画的工具材料性能和方法步骤上。任务单纯，解决问题迅速，是从素描向色彩画过渡的一种有效方法，可为造型打下良好基础。其具体做法是：用一种具有一定深度的水彩色，如赭石、土红、熟褐、生褐、深蓝、紫、深绿等均可，并加进少量黑色，将它们调配在一起，作画时根据需要用水冲淡使用。其着色程序常是由浅到深，xxx到暗，由大面积到小面积，把画面铺满后，再根据需要逐层加深，直到调整完成。初学者要认识其意义，作一点单色静物练习是大有好处的。
限制颜色的练习：是根据静物组合的几个基本色相，有意限制几种颜色来作水彩静物练习，有的甚至从两三种颜色练习起，等熟悉其调和效果后再增加色彩进行训练。初学者画色彩画，一开始就用多种颜色是非常吃力的。因还不知各种颜色的性能，它们的色相、色性，以及不同纯度、明度的状况，更不知两色甚至三色调配后的效果和表现力。采取限制颜色的作画方法，就可以一一熟悉各种颜色的性能和它们之间的关系，逐步掌握各色的性能，充分发挥各色的表现力。同时，可养成分析对象色彩组合，注意画面色调和严格用色的习惯，培养以简练的语言求达意，以质朴的美姿去感人的艺术品质。
静物的选择和组台
画静物，首先要选择静物和摆设静物。怎样选择静物和摆设静物呢？下面看看《新疆瓜果》一画的静物选择和组合过程，然后再谈谈在静物的选择和组合中应注意些什么问题。这样可能较为实际。
该幅画是为乌鲁木齐市中小学美术教师水彩画学习班进行静物示范表演时绘制的。
静物选定后则是进行静物设置。为了主体物的突出，将哈密瓜和几串无核葡萄置于果盘的中心部位，并将果盘放于位置较低的平铺壁毯上。这样的设置既符合新疆席地共欢的生活习俗，又可使观众产生亲临其境之感，有利于主题的表现。这个静物设置后，又在适当位置增放了几个苹果，这既是构图的需要，又增加了果品丰盛之感，并避免了哈密瓜和葡萄大小过于悬殊的缺陷。这组静物就这样设置就绪了。
上述例子可看出，静物的选择和组合应注意以下几点：首先，要对描绘的对象有所感受，要有明确的构思。其次，根据主题、构思选取主体物，再根据主体物选择陪衬物。在选取时要注意内容的内在联系，既符合生活的真实又符合艺术美的要求。第三，静物的组合，要符合突出主体的需要，并做到合理自然。也就是说，组合物的形状、大小、色彩、质地的统一与变化，光线的照射，背景的处理，组合物的位置和关系等，都应有利于主体物的突出并符合美的原则。
总之，静物的选择和组合，是一门值得研究的学问，其中色括很多构图学的原理，仅此一例，难以一一述尽，这需要认真研究，不断实践去掌握。作为教学者，在摆设静物时，要阐述为什么这样选择和摆设，有机会也可以让学习者自己选择和摆设静物。这将有利于学生学刁积极性、主动性和创造性的发挥，有利于对静物的理解和艺术处理。
水彩画总结 第2篇
一、教学目标：
1、认知目标：让学生初步了解风景画艺术的特点风景色彩等方面 的基础知识，了解中国风景画艺术富有的特色及鲜明的色彩性和艺术性，培养学生对风景画的欣赏能力。
2、实践目标：①学习按步骤临摹风景画。②根据对像进行写生。
3、情感目标：通过对风景画的学习，激发学生热爱艺术的情感，培养学生对美术的兴趣与创作。
二、教学内容及重难点：
1、教学内容：学习如何欣赏与绘画风景的知识、进行户外写生。
2、教学重点：培养学生对绘画艺术的认识和热爱。（通过多媒体、xxx决）。
3、教学难点：学习如何欣赏风景画，怎样进行风景画的写生。
三、教学过程 ：
第一课时
主要内容：风景画的画法
步骤一：导入新课
〔播放〕：——《水彩画教学》。
1、提问，哪位同学回答下面的问题？
①你知道这是什么绘画吗？
②风景画有那些特色？
引导学生小结：欣赏风景画的色彩，了解风景画的画法。
2、教师总结，水彩画正如它字义所明示的——是用水作为媒介调和颜料，从而达到艺术家创作目的的一种绘画形式。就水彩画以水为媒介调和颜料描绘景物这样的理解以及人类目前所发现的史前壁画而言，水彩画是人类绘画史上最为古老的画种之一。
（板书：色彩丰富的风景画）
〔课件演示〕：（出示风景画的资料）
风景画的图片——视频——老师讲解与创作
3、教师提问：如此美丽的风景画，你们想不想把它表现出来？
水彩画总结 第3篇
风景写生的特点
风景与静物不同的是，静物可以由人来支配组合，人为的因素比较多，而风景则更加自然原本，不受画家的情感的支配，只是画家在选择和描绘时才加入了感情的因素，因此风景画更能锻炼画家的观察力和概括力。
在画风景的过程中，应选择不同的内容来训练绘画的技巧。xxx风景在不同的季节、气候及光线下的变化，可用水彩画的干湿的不同技法来表现不同的内容、气氛和色调。如：雨天和雾天的景色就适合用水彩的湿画法来表现，晴天和阳光下的景色则适合干画法，而有些景色则需用干湿结合的画法来表现，要根据不同的对象特点灵活选择相应的技法，以达到画面的完美。
风景画中很重要的一点就是取景，也就是我们的视角，应从绘画的角度出发，强调绘画的特殊语言，用造型、比例、色彩、构图和色调来表达我们的情感世界。
在这里介绍一点最基本的水彩技法，当你通过自己的实践的积累，经验丰富之后，具体画什么就不成问题了。画得好坏就看你是否经常练习了。
风景写生的空间处理
初画风景的时候常会碰到如何处理空间的问题，所面对的景物空间可能是十分复杂的，要比在室内画静物时的空间复杂了很多，该如何解决这个问题呢？以下几点是一些有效的办法。
1.处理好画面景物的明度变化
色彩的明度变化可以很自然的给画面拉开空间，一般来讲，远景的明度比较高，近景的明度比较重，如：当观看群山的色彩时，就会发现群山远近的色彩明度变化了。
2.刻画的精细程度对空间的影响
一般来讲，在一幅画面里刻画比较精细的物象会在视觉的前面，更引起观者的注意，相反则会在视觉的后面，比较虚。
3.色彩的纯度（彩度）的处理
在人群中最能引起注意的是身着鲜艳色彩服装的人。同样画风景时，就应将前面的物象或主体的颜色画得纯度高一些，远处的物象及次要的物象的色彩纯度画得低一些。
4.色彩的冷暖对空间的影响
一般来讲，暖色给人近的感觉，冷色则给人远的感觉。在处理画面时应用比较暖的色彩来描写前面的主体，用比较冷的色彩来表现后面的次要的东西。
5.笔触的处理
在一幅画面里，一般笔触大而明显的部分会更触动人的视觉，更引人注目，而笔触小而模糊则会引不起视觉的关注。所以描绘的过程中一定要考虑笔触运用对空间的影响。
6.光影对空间的影响
在一组风景中，光影的变化会对空间产生很大的影响，光影的对比愈强烈愈会加强画面的空间感，我们要加强画面主体及前方物象的光影对比，远处及比较虚的物象则应减弱光影的对比。
7.干、湿画法的运用
水彩画的实践证明，干画法与湿画法的不同运用对空间的变化有着十分明显的影响，一般我们都会用干画法来表现前面的主要物象，用湿画法来处理远处的比较虚的物象。8.不对称的形象可加强空间感
我们在画风景时要尽可能不让画面上出现对称的形象，因为对称的形象会使画面缺少空间的感受。
另外我们还可以在画面上人为的点置一些小动物或一些与画面有关的器物及图案和肌理来处理画面的空间。
风景写生步骤
xxx秋色（渲染法重叠法），水彩风景步骤图。
用HB铅笔画出xxx树的姿态。
将xxx树干及主要的技子用遮盖液涂上，树干下面的草地部分，用蜡笔不同的冷暖色点出不规则的点子（省略图例）。
将天空、远山和近处的草丛的颜色涂出，涂色彩之前先将纸面用清水打湿，草丛涂上色彩后，用了喷水、弹色及撒盐的方法，产生了丰富的肌理变化，使草丛色彩更加丰富生动。
将画面上所有的遮盖部分用橡皮擦去，之后深入的刻画树干部分及树枝的变化，点出树的叶子，调整画面的关系，丰富草丛的色彩。
这幅作品采用的是渲染法和重叠法，表现深秋时节xxx树的姿态及优美的秋天的色调和丰富的色彩变化。强调xxx树的动态表情和特有的高雅的性格、画树木时，一定要了解树的生长特点和它结构的特征，用生动的形态来表现它们的个性和精神。
水彩画总结 第4篇
1.人物写生的特点
在水彩画中水彩人物是比较难掌握的，不像静物和风景那样可以把对象随意的增减、修改比例、变换色彩，它要求有十分准确的造型能力和良好的素描功底，特别是人物表情和动态神色的刻画需要画家有十分深厚的功底。
人物的肤色变化是非常微妙的，在不同的光线和环境中肤色的变化就更加丰富了，我们须在纸湿的过程中来表现颜色的变化，使颜色相接的比较自然生动。要抓住大的肤色基调，大胆的概括，下笔干净利落，不拖泥带水。初学者可多画一些淡彩人像和人体速写，这对提高技法是十分有益的。
2.人物写生分类
①头像：在画人物头像时，首先要注意面部的结构及肌肉的变化特征，抓住大的色调及冷暖关系，强调五官神态及微妙的色彩变化。画头发时不要只用单一的墨色来表现，要考虑环境色及淘汰色对头发的影响，强调冷暖色的对比。画的过程中适当的加入一些褐色或普蓝色倾向的色彩，可使头发的色彩变得生动而自然，还要注意干、湿画法的结合运用及高光的处理，画面的高光最好是留出纸的空白。
②半身像和全身像：画半身像和全身像时，要处理好面部色彩与服装色彩之间的关系，注意手和脚的刻画，还应注意人物与背景的构图处理。肤色的变化直接受到服装面料颜色的影响，要仔细的观察对比光源色及环境色对肤色的变化所起的作用，同时也要主动的处理好画面的主次虚实关系。处理服装时要从画面的整体出发，色彩及图案要恰到好处，不可喧宾夺主。
③人体：用水彩来表现人体是有相当大的难度的，要求你既要有严谨的造型能力，又要有表现色彩的丰富的经验。我们要认真了解人体的结构特征及肤色的变化特点，做到胸有成竹，一气呵成。
3.人物写生步骤
太行山娃。
①用HB铅笔起稿子，注意造型和素描关系，为上颜色打下好的基础。
②画出小山娃的面部色彩及衣服的大的色彩关系，下笔要大胆准确，不可拖泥带水。面部是先用清水打湿纸面，之后再上色，并画出大的明暗关系，使颜色的衔接比较自然。
③进一步刻画面部的色彩变化及头发的颜色，将衣服的色彩及衣纹深入表现。
④将背景颜色全部涂上，调整人物的面部色彩，刻画面部的神态，画出衣服的花纹和背景的色彩，画背景要注意虚实的处理及冷暖的变化。
这幅人物作品是要表现太行山区的农家小女娃在上午的逆光环境下的动人的神情。面部的神态在逆光的条件下显得比较朦胧，裤子的鲜艳的红色同背景的色彩形成强烈的明暗及色彩的冷暖的对比。画面是要强调小女娃的面部神情，背景画的比较写意，增加了画面的虚实效果，突出了主题。
画人物是比较复杂的，即要有严格准确的造型，又要有丰富微妙的色彩变化，要学会用色彩来塑造形象。
水彩画总结 第5篇
率先尝试 成为学校新课改的忠实实践者
“课改很好，相见恨晚。它解放了老师，也激活了学生。”这是xxx对新课改的评价。可以说，xxx是新课改的“忠实粉丝”，她作为庆阳五中新课改实践的“领头雁”，以自己的实践和行动很好地对新课改进行了解读。
xxx说，在新课改推行之前，她也曾有过对新课改提倡的高效课堂教学进行实践和总结，但是一直没敢放心大胆地进行。最终在新课改的助推下，才坚定了她尝试的步伐。于是，从2006年开始，xxx在参加了学校组织的江苏洋思中学“先学后教，当堂训练”教学模式等的实地学习之后，就开始着手对新课改进行大胆地探索尝试。
xxx知道，要正确地领悟新课改的要求，形成自己的教学风格并将它转化为实际的教学成果，需要借鉴更多教育专家、教育实践者的经验，需要站在“巨人的肩膀上”才能有效地实施。于是，她经常会潜心阅读一些国内外语文教育专家的教育专著、教学论文、教学随笔等，然后将学习到的经验与课堂实践结合起来，融会贯通使用。在体现新课改理念的前提下，一遍又一遍地进行尝试，研究出新教法、新学法。她独创的“五环节教学法”，即揭示目标、自学指导、学生自学、讨论点拨、反馈训练五环节在课堂上就取得了很好的成效并在全校范围内得以推广。
“五环节教学法”尊重学生的“主体”地位，让学生在了解学习目标的情况下进行自学，然后教师再根据学生的学习情况进行恰当地点拨、指导。教师只作为学生学习上的引路人，给学生预留了很多自学和思考的时间。这样学生学习的热情和积极性自然就被调动了起来，也就是xxx所说的，它“解放”了老师，“激活”了学生。
xxx说，教学中最头疼的事就是有些学生对语文学习不感兴趣，写作业不积极，这样语文成绩也很难提上去。于是，在多次的实践中，她总结出了一套适合全班学生“口味”的教学方法――“分层教学”，即将学生分为优等生、中等生和xxx，然后根据他们的学习情况布置不同的作业，因材施教。这样每个学生的作业难易程度都是适中的，他们在做完题目后会觉得很有成就感，xxx不爱写作业的习惯也慢慢有了改变，语文成绩也渐渐有了提高。“分层教学法的效果是非常明显的。很多不喜欢写作业的学生，在我实施分层教学法之后，能感觉到他们都能心情很愉快地完成作业。有些xxx在做完自己的作业后，甚至还会尝试去做中等生和优等生的题目，这一方法很好地调动了学生的积极性。”xxx非常激动地说。
在基础教育阶段，让学生能进行大量的阅读是非常有必要的，这样才能扩充学生的知识面，培养学生的语感，为学生的语文素养奠定坚实的基础。但是，学校安排的语文课学习时间是非常有限的，再加上学生由于课业繁重或者不感兴趣等，常常会静不下心来阅读。于是，xxx专门针对这一情况探索出了“主题单元整合阅读法”，这一阅读教学法是在经过三年的尝试之后才在学校开始推广的。它形式多样，内容丰富，正好给学生提供了大量阅读的机会，让学生将阅读带进了课堂。“我会挤出很多时间让学生进行‘海量阅读’。我会允许我的学生将自己喜欢的书带到课堂上阅读，同时也会给他们提供大量的阅读书籍，有时我还会专门带他们去图书馆阅读，或者组织一场读书交流会，学生很喜欢！”
当然，在海量阅读的基础上能让学生将知识内化并转化为自己的语言表达出来，那么这样的教学就已经成功了一半。xxx就实现了这样的教学，她探索出的又一新的教学法――“作文个性化教学”，就为“主题单元整合阅读法”提供了检验的机会。这一教学法完全颠覆了传统教学法的模式，它要求学生在作文的结构形式、语言表达以及文体表现形式等方面都可以表现出很大的不同，突出作文的“个性化”教学。
相信很多教师对此肯定会感到很困惑：作文也可以“个性化”教学？事实却是如此。xxx创作的“作文个性化教学”注重创新，她要求学生对于某一话题作文，可以运用自己擅长的语言形体写出来，如可以用日记、小说、书信或者话剧等各种不同的文体表现，要求做到“人无我有，人有我优，人优我新”。“这样的作文教学学生接受快，学生的作文水平提升也非常快，当时我带的班级在参加全市作文竞赛的时候，还拿到了全市第一的好成绩。”xxx很自豪地说。
多年来，xxx对于新课改的探索热情一直不减。当然，她对新课改做的实践尝试远远不止这些。xxx的话很好地诠释了她对于新课改的实践热情及方法：“我认为作为一线教师，首先要研读《新课标》，说真的，我对《新课标》的研读不下10遍；其次是要相信学生，在课堂上要还给学生学习的时间，因为老师讲10遍，不如学生亲自学1遍；再次老师要授学生以‘渔’，善于总结学习方法并教给学生，让他们终身受益。”
不断前行 让教学之路走得更远
“要给学生半桶水，教师自己就得有一桶水。”xxx深知，成绩永远属于过去，荣誉是鼓励，更是压力，要想在教学的道路上走得更远，就必须得不断地学习、不断地前进。于是，在闲暇之余，她通常会进行大量的阅读，与教育“名人”对话，借助一切机会为自己“充电”。
水彩画总结 第6篇
色彩设计课程是一个大门类，其中涵盖了以各种设计学科为主题的色彩分枝设计，在各类设计院校当中，色彩设计课程是一门重要的设计专业课程，即让学生学习系统专业配色的同时，又能够在一个侧面持续推进了本专业知识技能水平的纵深递进。这其中的服饰配色课程又与其他设计专业的配色课程不同，具有其特有的课程性质与特点：
一、课程框架与结构
服饰配色设计课程作为专业课程群中的重要专业基础课程。有别于其他专业基础课程尽量要在前两个学年完成的情况，以2018级培养方案为例，服饰配色课程则放入第三学年春季学期中，两个学分总计三十三课时。之所以将这门课程放入第三学年，是想让学生在前两学年中获得一些基本的服装设计与工艺技能后，再进入到色彩设计的学习当中，同时不割断色彩设计与图案设计、面料设计与饰品设计的连接，使得几个重要的服装设计元素尽可能的融合到色彩当中。在教学大纲的制定方面，选择以xxx（Munsell）色彩体系为基本理论基础，服饰配色课程分为理论与实践两个部分，理论部分涵盖了色彩的物理、生理、心理与文化的知识点，实践部分主要在学生的设计与制作中显现色彩对比调和等设计特点。因为色彩产生于光波，而光波是一种特殊的电磁能。1所以在色彩的物理特性讲授中，首先要引入光学的概念，以及眼球的基本构造和接收可见光的基本原理。之后需要引导学生精准的识别色彩的三个属性。从十七世纪开始，经过十八、十九世纪，直至现在，色彩的三种属性在科学和艺术色彩理论的领域，被表述的越来越清晰。2而这些理论只有让初学者亲自进行实践练习，才会在他们的头脑中逐渐明晰。通过调色部分的训练，让学生加深对知识点的学习，比如图1的色相推移训练，在调出十二个色相之后，对整体色相进行明度调整，这样又可以产生出一个新的色相体系，同时启发其他学生，是否可以通过纯度的改变，又变化出另外的色相推移，这样的理论讲授以及配色训练，需要学生严谨细心的学习态度，调色同时要求学生准备干净的吸水毛巾以及准备多张白纸做试色条随时观察比对调色的精准性，做到这些的同时也可以体会到色彩变化的趣味。我们还准备了xxx的纺织品色卡，让学生除了在动手调色之外还能直观地体会到当今时代细腻变化和数量庞大的纺织品色彩体系。颜色不仅因为地域差异造成差别，还存在因历史文化和宗教背景等后天因素造成的差别。3在讲授色彩的心理与文化的知识点时，先以单一色相入手，讲授同一种颜色，在不同地区与国家所带来的不同涵义。这些涵义有时甚至是相互矛盾的，比如绿色在中东地区的珍贵涵义，在欧洲就可能变成了带有毒性成分的颜色；比如在英国代表忠诚的蓝色，到了荷兰则有可能成为一种谎言的意味——尼德兰著名画家xxxxxx尔的画作《盲人的寓言》中，画面前方即将跌入坑中的盲人身上穿的蓝色服装，就有谎言的寓意（如图2）；又如红色从圣神之色到是非之色的多元变化在中国人生活当中所扮演的角色。4再到爱娃海勒这样的研究者从西方的视角阐述了红色作为纺织品的昂贵与奢侈性。5这样有趣的色彩文化案例还有很多，因为无论是时装还是面料的色彩总会受到异域的影响。6所以讲授这些理论的目的是引起学生对色彩的兴趣，以及带给学生对于色彩历史与色彩文化更多的思考，同时每种色彩理论知识点都结合最新一季服装流行资讯中的对应色彩主题设计作品，让学生将理论知识与实际设计作品联系起来。在三周的服饰配色课程中，理论讲授部分占时为一周，后面的两周时间，留给学生进行服装色彩设计与制作，课程作业要求学生设计完成一套服装，从设计草图开始即体现出配色作为该套服装最重要的设计特点，这也意味着整体服装的设计无论从款式、结构还是面料都要为色彩服务，体现出良好配色设计的服装，在这门课程的结课成绩中才能获得高分，设计图通过之后是选购面料环节，这个环节非常的重要，直接关系到学生是否可以将设计理念付诸于实现，如果因为没有太多经验导致面料选购失败，教师的建议是不要轻易更换不完美的面料，而是通过面料改造或者是草图的更改重新设计出符合这些面料的服装，最大程度的体现出良好的配色，这个过程难度很大，也非常考验学生的耐心与毅力，很多学生面临阻力一度就想放弃，但只要在教师的帮助和鼓励之下，他们总能找到成功的途径。
二、学生作品案例
学生的色彩设计作品大致分为三类方案：邻近色色彩设计，中间色色彩设计和对比色色彩设计。色相环中相距60度，或者相隔三个位置以内的两色，为邻近色关系。邻近色最能带来视觉的舒适感，也是最容易实现和达到的配色方案，对学生而言比较保险和安全，所以对于提出邻近色或同色系配色方案的学生，要求他们特别注意细节，从配饰、妆容各个方面甚至是指甲油的颜色，都要与整体服饰配色相协调，这样才能最大程度的体现出同色系或邻近色的细致感，在图3中可以看到整个设计从草图绘制到完成表现的整体过程，对于学生来说怎么样把这种层叠的具有朦胧效果的色彩呈现出来，除了面料以外很重要的就是结构与版型，要经过多次的试板才能基本达到自己的想法，图4是通过面料的改造呈现一种流畅的肌理状态，来表达自己所设想的邻近色彩设计。所以说服饰配色课程所学习到的是一个包括色彩、面料、版型的综合技能。凡是处在两个相对的色彩关系中间的色，统称为中间色。在色彩学中，中间色有以下几种不同含义：一是指复色而言，凡两个单色混合所产生的色叫中间色；二是指色性二线，如土红是大红与玫瑰两色的中间色；三是指消色而言，如灰色是黑白两色的中间色，而最后一种则是我们课堂学习中间色概念的重点，即相对于补色而言，在色环中除了补色和邻近色以外，其他各色都归于中间色。从中间色开始，配色的难度逐渐加大，选择中间色设计方案的学生在某种程度上是对自己要求更高的群体，他们通常是通过一些角色代入，比如日式木偶，或者童话中的人物视觉特征的实现，来将中间色更合理的运用起来，亦或是将中间色的明度或是纯度协调起来，或加入无色系的成分，达到尽可能的视觉和谐。（如图5）还有一些学生思考的更加多元，他们希望通过同一种中间色搭配结合不同的场景呈现不一样的服装气质（如图6）。色相环上相距120度到180度之间的两种颜色，被称为对比色。与选择邻近色或同色系方案的学生不同，在课堂上选择对比色设计的学生所承担的风险性是最大的，因为通常作品呈现的难度大，常有做坏的情况发生，但是这些学生从态度上来说是勇敢的也是非常值得鼓励的，他们总能找到很多办法让自己的作品成功展现，有些人很谨慎，选择一组对比色中的其中一个颜色，尽可能大面积使用然后最小面积的使用另外一个颜色，使得整体效果既有对比色的概念又尽可能的整体和谐（如图7左上、右上）。另外一些同学在服装使用对比色之后通过饰品设计的加入让整体造型呈现较为丰富的状态，使得初次尝试的配色不至于太突兀（如图7左下、右下）。还有些同学加入了实验性的成分，比如用宣纸染色做肌理（如图8左），或者在面料上做出肌理与纹路，来达到对比色设计的目的（如图8右）。他们的设计呈现出不成熟的青涩感，但是所有人的目的只有一个，就是想尽一切办法做出自己想要达到的配色状态，加之同时还要解决服装版型与工艺的问题，所以实际上他们所面临的困难很大，对于初学者来说，这种试图突破色彩局限性，走出配色安全地带的勇气非常值得肯定和鼓励。
三、一些有趣的设计点
在做全色环训练直至延伸到服装色彩设计上时，我们意识到，在一套服装上出现的色相越多，就越考验设计师的色彩驾驭水平，也对服装穿着者提出更高的要求，否则无论是设计师还是穿着者都很难驾驭多色相的服装，所以在市面上的一些面对大众的服饰配色书籍才会要求穿着者尽量不要在一套衣服上出现超过三种颜色以上的搭配，但一些学生对这一特点保持了好奇心，他们很想尝试尽可能多的色彩，怎么样成功的设计以及成功的穿着，比如他们会运用彩色扎染的方式来设计服装色彩，使得多色相的服装在色彩上尽可能的获得视觉和谐。也有通过一些结构性的设计让多色相结合起来同时与无色系的结合使得色彩绚丽且获得留白感（如图9）。在色彩设计的过程中，我们体会到，服装的结构与图案，面料的肌理以及整体的配饰都可以是色彩的载体，这些细节涉及到越多，色彩就可以变得越丰富，对整体服装的设计就越有助益（如图10）。有一些同学心中还保留着对经典服装作品的敬意，比如圣罗兰的xxx安裙，学生想借鉴这一经典的艺术主题，圣罗兰是以xxx安成熟时期的作品为灵感，他就回溯了xxx安以前的作品，发现更早期作品在线条上面有粗细的变化，因此结合了这种变化线条，当然xxx安裙无人能够超越，对学习者来说这更多意味着是一个有意义的学习过程（如图11左）。还有的同学将自己的情感带入到作品的色彩设计中，曾经2006级的一位女生用无纺布的色彩重现了小时候自己对穿过马路走出街道爬上山顶邮寄信件的美好回忆（如图11右），图片中的模特也是她本人，通过服装、通过色彩，她得到了快乐的满足感。在她毕业后从事的工作是童装设计，这是童心未泯的梦想成真。
水彩画总结 第7篇
关键词：美术学；水彩课程；研讨式教学
1水彩教学模式的现状
艺术是一个不断创新的过程。在当代艺术作品中，只有加强绘画观念的探索实践，多去感知新的血液，艺术作品才能散发出时代的气息，更能吸引观者的目光。水彩艺术亦是如此。水彩画专业教学是在改革开放之后才陆续在各个高校中出现。在这短暂的水彩画专业教学历史中，我们的老一辈艺术家、教育家作出了辉煌的成绩，总结了丰富的经验，为我们今天的水彩画教学打下了一定的基础。尽管如此，水彩画专业教学在我国仍然一直处于尝试、探索和研究状态之下。我国现有的水彩画教学模式基本承袭英国和苏联等国模式，虽然近来引进了一些英国、法国、美国等地的水彩画教材，但其内容依然是讲授水彩画技法为主，忽视了审美、材料、创作等方面的教学探讨和知识传授。在国内外有很多水彩画画家发表了部分关于水彩画教学及改革的论文，但都不够深入和全面，关于水彩课程研讨式教学实践的系统研究在国内外还在探索阶段。
2研讨式教学的可行性
3研讨式教学改革与实践
美术教育是一门系统的学科，并且一直处在变化和改革之中，教学方式也在做出改进。在我国，许多高校的美术教育普遍受“苏联模板教育”的影响，都或多或少地将美术作为单一的专业技巧来对待，过于偏重美术技能和技法的教授与学习，忽视教学模式的创新，我校美术学院水彩专业教育也存在着同样的问题。因此，在我校进行研讨式教学模式的改革尝试具有一定的必要性与创新性。
划分研讨实验小组
研讨式美术教学课堂与传统美术教学课堂有较大差别，需要授课者提供一个宽松的创作环境，建立研讨实验小组，与学生互动，建立研讨基础，在研究讨论中教与学。具体做法是将全班学生分组，以投票方式确定小组长，由小组长招募自己的成员，建立自己的团队。此时，教师的职责就不仅仅是灌输知识，而是引导课程创作任务，由学生自由交流讨论，从创作题材、创作方法、表现技法等等方面的讨论中进行思维碰撞。教师只需把握大的教学方向，为各组学生讨论中遇到的问题给予解答和帮助即可。在这种教学模式的开展下，教师与学生之间不再是传统课堂上的一对多的模式，而是一对几个团体的模式，这种研讨式教学模式不仅能拓宽教师的思路，而且提高了学生的学习主动性和创作创新性，也能取得更佳的教学效果，创作出富有个性的艺术作品。
更新教学方法，完善教学模式
传统水彩教学主要以体现教师本身的专业示范性和艺术思想性来影响学生的综合发展，而研讨式课程的性质决定了必须摆脱传统美术课堂中的教学方法。除了建立研讨实验小组，还必须要在原有的教学方法基础上进行革新。这就要求教师在研讨教学课堂中只是引导者，而要把学生作为主体，共同搜集大量的图片、视频、相关美术作品资料，来激发学生的创作灵感。在研讨式教学实践实施过程中，还可使用多媒体教学，在有限的课程教学时间内，通过研讨教学，解读重要的知识点，xxx生的疑惑，让学生在课堂中获取更多地信息资源。此外，在其他平台中提高眼界、提高鉴赏能力、拓宽创作思路、打破传统思维局限。在整个的教学实验活动中，应充分鼓励和引导各小组的相互讨论，并结合各小组的思想碰撞结晶进行分析引导。通过研讨式教学实验，使学生在整个课堂化被动接受为主动参与、探索，在学生自主研讨和师生研讨的过程中有更大收获，达到教学要求，提高教学效果。
教学效果评估
研讨式教学实践结束后，教师要及时做好评估工作。高校美术教学注重教师的示范辅导和学生学习的实践互动能力。所以其教学质量和效果受到教师与学生的相互作用等因素的影响，教学质量的表现，需要与学生将来的成就联系起来。比如教师艺术思想的传授，艺术修养的表现可以长期影响学生的心理个性等非智力因素。因此，对于教学效果所进行的评估，不仅包括教师对学生形成艺术思维、美术观察、美术创作能力的培养，而且还加入了讨论能力的测评，最后再结合作品，进行综合评价。
教学实践总结
美术学水彩课程的研讨式教学较好地融合了课程的知识性、趣味性和实用性，能够实现学生的创新化、个性化、自主化。教学效果也在以下几个方面得以体现：第一，划分研讨实验小组，采用小组面对面研讨、教师与小组研讨、多媒体教学、课外考察与学习的教学模式，提高了学生主动学习的能力和创作创新的能力；第二，课程内容基本涵盖了所有的教学要求，与培养方案要求相一致；第三，在研讨式教学的实践中能够较好的使现实理论与创作实践相结合，且注重将研讨与实践训练相结合，通过富有针对性的创作实践加深学生对理论知识的理解，培养学生多方面的能力，提高学生的综合素质，培养创新型水彩专业人才；第四，从教学成果来看，创作数量和质量都相当可观，有部分作品入选各类展览；第五，研讨式教学设计符合教学要求、符合培养创新型应用人才的模式。
综上所述，美术学水彩课程研讨式教学在原有的传统的美术教学模式上进行了革新；通过研讨式教学实践的探索，进一步健全水彩画教学与实践体系，并真正地将美术教学与艺术创作落实到实处，有效地培养具有高素质的水彩画艺术人才，为水彩画的发展提供有力的人才保障。也为培养创新型应用人才营造了良好的氛围。
参考文献：
［1］波，xxx华.高校教学质量评价指标体系的建设［J］.教育学术，2009（12）.
［2］李勇.美术教育学［M］.郑州：河南人民出版社，2005.
水彩画总结 第8篇
关键词：墙绘艺术；xxx成；互融式应用
检索：.cn
近年来墙绘艺术以其个性、时尚、环保等优点在建筑装饰设计市场上广受欢迎，艺术与技术的完美结合在墙绘设计中得以充分展现。在墙绘创作中，懂得怎样准确、合理地运用色彩来体现墙绘设计的主题，是墙绘设计师必须具备的技能。而对xxx成知识的掌握直接影响着墙绘设计师能否设计出优秀的墙绘艺术作品。墙绘艺术与xxx成在应用过程中存在着相互渗透、相互影响的关系。
一、xxx成与墙绘艺术的互融式应用
（一）xxx成原理是互融的基础
xxx成是从人对色彩的感知出发，利用科学的方法系统性地研究色彩的性质、心理效应等，以此总结出xxx成原理，并按照色彩搭配原则重新构筑色彩，创造出新的、理想的色彩组合形式。墙绘设计作为艺术创作的一种形式，能够引导艺术家自觉地根据xxx成理念的主导方向而展开对xxx成的具体运用，并从美学的角度支撑xxx成以全新的面目呈现在当代艺术设计之中。墙绘设计作品的优劣会直接影响室内整体效果，而色彩的构成方式直接影响着墙绘作品效果。xxx成原理和相关基础知识是墙绘设计的重要理论支撑。
（二）题材与构图
xxx成作品的设计题材主要分为抽象形设计与具象形设计两种。xxx成抽象化设计即将色彩表现于抽象的形态之中，抽象形色彩具有强烈的现代装饰韵味。这种强烈的抽象的色彩语言应用几乎成为当代墙绘中色彩表现最为强烈的视觉特征；xxx成具象化设计要求构图具体化、形象化处理。在色彩的构图方式上，为了突出画面主体选择具有相应特征和关系的色彩进行恰当布局，形成既对比又统一的整体。色彩主要通过平面表现、三维立体表现的构成形式来展现它所独有的视觉魅力。其中，平面表现主要在色块处理方式上追求平面化，因而在视觉上色块显得单纯而均匀。这种色彩表现形式装饰性很强。三维立体表现其实是色彩在平面上呈现的立体假象，其中运用了色彩近暖远冷的感知规律，拉开色彩在视觉上的距离，再结合形体上的透视原理，以此强化画面色彩的空间感与体量感，实现了平面状态下的空间感，从而增强了作品在视觉上的冲击力。
墙绘设计的题材的选择是多样化的，表现形式也很丰富，如国画、油画、水彩。不同的建筑环境需要用不同题材内容的墙绘作品来装饰的要求促使墙绘作品选题呈现多样性，同时带来了墙绘作品创作的构思、构图和色彩的多样性。
（三）色调与环境空间色彩
水彩画总结 第9篇
《水彩画》教学大纲
适用专业：三年制（专科）总学时：18 学分：1 编号：
一、课程性质与作用
水彩画的学习，使学生掌握一定的色彩理论知识和自然光色变化规律，熟悉水彩画及其工具材料的性能特点，使学生在绘画中将感性认识理论化、科学化，并运用正确的观察方法和表现技法，运用理论知识指导水彩表现技巧，提高学生水彩修养的创造性和水彩的思维能力。通过本课程的教学，解决造型艺术中诸多最为基本的问题，从而逐渐在技术和经验的获得中具备表现自然的能力，为独立地进行艺术创作做准备。通过静物写生或外出风景写生将色彩理论与水彩实践相结合。初步了解水彩艺术中“水”、“色”、“时间”三要素在作画过程中承担的重要作用；了解由水彩丰富的偶然因素所产生的水彩画独有的艺术魅力，并在此基础上学习优秀作品成熟的绘画理念，开拓眼界，提高个人艺术修养。
二、教学目标
水彩画教学的目的综合起来有以下几个方面：
1、了解色彩的艺术特点以及形象与色彩的相互关系。
2、掌握水彩画的特点和写生步骤与方法掌握工具及材料的应用。
3、正确地运用色彩观察方法，从整体出发，通过对比区别色彩倾向，表现出他们之间的色彩关系。在写生过程中逐步掌握色彩调配，色彩对比和谐调等规律。
4、掌握用色彩塑造形体，表现立体空间的方法。
5、通过写生了解水彩画的各种表现技法，掌握构图的基本原理，提高组织画面的能力。、6、认识画面整体关系的重要性，提高驾驭画面的能力。
7、具有对色彩的记忆、想象在创作中运用的能力。
（三）观察研究
摆在初学者面前头等重要的大事是培养正确的观察方法，在作画之前，先将静物之间的各种关系进行整体观察和分析，而整体观察应始终贯穿在整个作画过程之中，要从色彩诸因素的相互联系中观察色彩。从相互比较中找出色彩变化关系，在变化中找出主调色彩，要敏锐地捕捉色彩总的倾向，确定基调，然后再进一步分析研究局部的色彩关系。但又不能陷入局部孤立地观察色彩，还要回到整体以观察色彩。
（四）水彩画写生的方法和步骤
1、构图与画轮廓，构图应注意研究以下几个方面：
a、对对象的位置、结构、比例、形体特征要准确而肯定。b、物体、景物、人物的位置距离要有疏密、主次、远中近的变化。要注意视点的高低、角度与表现内容的情感联系。
2、铺大色调
3、大体塑造
4、深入刻画
5、整体调整
四、教学实施建议
（一）课时安排
《 水彩画 》课程于第三学期内开设。授课每周2学时，共9周，合计18学时。各章节教学内容的学时分配如下：
第一章 概述（2学时）
第一节 水彩画的概念及特征 第二节 水彩画的起源与发展
第二章 水彩画的工具和材料（1学时）
第一节 水彩画的工具 第二节 水彩画的材料及特性
第三章 水彩画技法（2学时）
第一节 基础技法 第二节 特殊技法
第四章 静物写生（13学时）
第一节 水彩写生的步骤与方法
人民美术出版社 中国建筑工业出版社